Mil años de oración

Esta película, de nacionalidad americana, revela el poder del cine, cuando se hace bien, de captar la atención y hasta una pequeña parte del corazón de los espectadores sin la necesidad de contar algo increíble o sorprendente. Las películas pueden servir para transmitir historias impresionantes, pero también tienen la utilidad de permitirnos entrar, como espías sin invitación previa, a las vidas anónimas de otras gentes. Otra cosa es que eso nos permita conocer algo más sobre nuestras propias vidas y no se quede en el mero intrusismo y voyeurismo.

A Thousand Years of Good Prayers (un título regular), es una película sensible sobre el Sr. Shi y lo que sus ojos ven y tratan de comprender, a veces sin conseguirlo, en la vida de su hija, personaje que nunca deja de resultar lejano para los que, como él, esperamos que vuelva a casa a cenar por la noche.

Premiada con la Concha de oro en San Sebastiá, quizá un reconocimiento exagerado para lo que en realidad es: una película recomendada para un día en el que uno esté tranquilo, sosegado, y con ganas de, simplemente, contemplar la vida.

La familia Savages

Retomamos la senda de comentar películas. Ya no un estreno, pero aún en cartel, esperamos estar a tiempo de alertarles de que hay películas mucho más interesantes para ver que The Savages. Intrascendente en el fondo, retrata la vida de dos hermanos que parecen vivir solo una vida a medias: destino al que quizá estemos predestinados usted y yo, pero del que en esta película nadie sabe como salvarse, ni siquiera la escritora y directora.

Muy valorada por la crítica de nuestro país, no relata más que una historia previsible con supuesta redención final y maduración de los protagonistas tras ocuparse, lo mejor que pueden, de su moribundo y malhumorado padre. El personaje de Wendy, interpretado por Laura Linney, encarna probablemente la pesadilla de cualquier hombre con esperanzas de relacionarse, sea afectivamente o no, con las mujeres. Sus cotas de histerismo, cursileria, inseguridad, y creer saber cuando no es más que una víctima de sí misma, son seguramente de lo más interesante de la película. Espero que no se trate de un personaje en el que la directora/escritora pusiera mucho de si misma, porque si no el rodaje debe de haberse tratado de uno de los mayores infiernos de la historia de la humanidad. Seymour Hoffman está como siempre, muy bien, pero quizá tiene ya muy explotada su vena de hombre sensible y taciturno, y a nosotros nos pareció tremendamente más vivo en La guerra de Charlie Wilson.

Lo dicho: nada especial.

Los Falsificadores

Consigue esta película que uno ya desde sus primeros planos se entregue a ella, se deje llevar para conocer las peripecias de su protagonista, sin cuestionar demasiado la moralidad de lo que hace o deja de hacer, y así verse transportado en una historia construida con unos mimbres que funcionan casi a la perfección.

Die fälscher se aprovecha de los lugares comunes tantas veces explorados en el cine acerca del Holocausto, los nazis, y el contexto de la II Guerra Mundial. En ese sentido, no tiene nada nuevo que aportar. Su hallazgo consiste en aprovechar esa imaginería que, acertadamente o no, tomamos como realidad, y ambienta en ella una trama más compleja en la que aparecen los dilemas morales (hecho no muy común hasta ahora en los personajes prisioneros de un campo de concentración), el encanto de un personaje magníficamente interpretado y de esos que siempre resultan atractivos por su capacidad de adaptación a las circunstancias. Un grupo de hombres aislados del mundo exterior y dedicados a una tarea de la que depende sus vidas constituye una mecha con la que cualquiera debe sentirse identificado. La película con estos ingredientes parece transcurrir acelerando los relojes de los que la miran.

Otra cosa es que pasemos a analizar aquello de lo que se aprovecha la película, esto es, la empatía que cualquiera puede sentir por las víctimas de la historia y que en este caso se muestra respetuosa, pero como sus propios protagonistas, sin enterarse demasiado de lo que pasa ahí fuera. Por supuesto no tratamos aquí de apuntar a qué debe de tratar un creador o una película ni el cómo debe hacerlo, pero si recordamos las palabras de Adorno, “escribir poesía después de Auschwitz es un acto de barbarie”, nos llevan a modestamente apuntar que hacer cine sobre el Holocausto debe de ser un ejercicio de responsabilidad y de integridad para los que se enfrentan a ese reto. En este sentido, merece la pena recordar la oscarizada tragicomedia italiana de hace unos años que, si bien fue un auténtico éxito comercial y de crítica, probablemente acabará siendo juzgada con mano justa y dura por la historia.

La película consigue así crear empatía por el protagonista que huye de las reflexiones morales y retrata al que se enfrasca en ellas como un casi-radical configurando un personaje poco aprovechado en el guión, quizá de los pocos fallos que puedan reprocharse a este, reloj alemán casi perfecto.

Son sobresalientes algunos momentos líricos de la película sobre todo los situados al final y que tratan de los primeros ratos de los prisioneros sin guardias alrededor que los impidan palpar una sábana o escuchar un disco.

En definitiva, y a pesar de las observaciones de corte moral que hemos hecho, como si nosotros supiéramos algo de eso, una estupenda película que puede ser disfrutada por públicos de diferente perfil y que, desde aquí, encarecidamente les recomendamos.

Al otro lado

Hay películas que consiguen cautivar a los espectadores mientras éstos se entregan a ellas, pero de las que uno al salir sospecha no de le dejarán demasiada huella. Más adelante, cuando trata de reflexionar sobre ellas, se da cuenta de que no es tan sencillo desmenuzarlas, que están construidas sobre una estructura firme y calculada pero repleta de humanidad y conocimiento. Al otro lado pertenece a esa clase. Quizás, si nos leen ustedes a menudo, pensarán que aquí somos tremendamente exigentes con las películas, siempre las encontramos peros y esperamos que además de entretener y divertir consigan aportar algo a nuestras conciencias. La respuesta es clara: nos parecen tan afortunados aquellos que las hacen, que no podemos ser menos que implacables.

Faith Akin es un cineasta turco/alemán, cuyo cine tiene siempre conexiones con su doble condición personal, pero que afortunadamente trata esa realidad, casi bipolar, sin hacer alardes de ello. Simplemente la retrata como la ve, que en nuestra opinión, es muy parecida a cómo es. Si alguien conoce de cerca Alemania, a sus gentes, sus costumbres, y también se ha asomado a Estambul o a la Turquía más auténtica, encontrará unos retratos al natural de estas sociedades muy cercanos a la realidad.

Otra cosa es que el guión, del que también es responsable, abuse, queriendo disimularlo un poco, de las llamémoslas, casualidades de la vida. Disimula porque los vericuetos de la vida de esas personas no dependen de esas casualidades, sino que aparentemente solo están ahí, pero sin ellas la película perdería cohesión y fuerza, de las que la película afortunadamente no carece. Es un buen guión, si, pero a veces se nota demasiado la necesidad de matar a un personaje para que la historia pueda seguir avanzando, para que los destinos de los personajes parezcan compartir sinos y sentimientos.

Estilísticamente uno parece estar viendo una mezcla que funciona: una mezcla de realismo y anormal realidad que parece recordar a Wenders, junto con un tono más neutro que recuerda en algunos momentos al cine árabe tan laureado en los festivales en los últimos tiempos.

Podríamos reprocharle a la película el anhelo de tratar demasiados temas y personajes, y muchos de índole social: la prostituta, el extranjero o descendiente de ellos, la relación lesbiana entre las dos chicas… ¿Pero cómo acometer esta crítica? Es una ley universal que, al abarcar mucho, el detenimiento en cada detalle va a ser insuficiente y en algunos momentos puede que se acerque al tópico (no me hagan decir el refrán…). Pero también es respetable el deseo de, desde el respeto y la humildad, tratar de tratar varios temas para aumentar la complejidad de la historia. En ese sentido, la película lo consigue con creces.

Las grandes obras se permiten ser líricas cuando a sus autores les place, y de esa manera ahondan en lo particular de la condición humana. Al otro lado concluye con un plano de ese tipo, en la que el hijo espera a que el padre regrese de pescar para conciliarse con él. Les confesaré una cosa: cuando empecé a escribir esta crítica, pensaba que tenía una visión más negativa e imperfecta de la película, pero recordándola y evocándola, he salido de mi imprecisión y reservado un lugar en mi memoria cinéfila para ella. Como siempre, lo importante lo decimos al final: vayan a verla.

La noche es nuestra

Hay películas a las que uno puede perdonarle muchas cosas, y otras a las que uno busca, como si fueran enemigas, hasta que las encuentra. La noche es nuestra pertenece afortunadamente al primer tipo. Aunque lo cierto es que uno, con los años, aprende a no ser rencoroso con las películas y a perdonarles sus errores y pequeños vicios.

Joaquien Phoenix es un gran actor. Parece un primo carismático con papada, simpático y con encanto. Aquí, encarna a un tipo que se aleja de su familia y que vive en y de la noche. Se pone sus tiritos y no por eso es peor persona, y no anhela ser tan intachable o perfecto como su padre o hermano que trabajan en la policía. Mark Wahlberg parece ligeramente anclado en el papel de vengador en Infiltrados. Robert Duvall se lleva bien con el alcalde y consigue que le posterguen la jubilación unos meses más.

La historia está bien planteada aunque, y ahora pasamos al aspecto más conflictivo de la película, el guión hace aguas por ciertos lugares. No hasta el punto de inundar el barco, pero si hasta ese en que un observador crítico empiea a pensar... ¿y ahora qué más? Quizás lo peor de la historia sea el amigo y compañero de la noche de Bobby Green/Grusinsky, un personaje que mezcla a Homer Simpson con el padre de Padre de Familia y que hace pensar si puede ser cierto que los garitos en la noche los lleven gente como él... por la música que ponen a veces podría ser posible. Quizás se trata de contar lo vacía que está la noche, que las amistades son superficiales. Pero se puede ser más sutil, y menos moralista... En el fondo, este tipo encarnado por Danny Hoch, es el verdadero malo de la película. El traficante ruso lleva coleta, viste de negro... Demasiado previsible. Pero un amigo así, si que da miedo...

Otro aspecto cuestionable es el hecho de que Bobby Green se convierta en policía de la noche a la mañana, pasándose la película por el arco del triunfo el hecho de que, en general, la historia trata de posar siempre un pie sobre la cruda y modesta realidad en la que los policías no pueden protegerse los unos a otros todo lo bien que sería deseable. En el fondo, será esa decisión la que aleje a su chica de él, Eva mendes, una de esas guapas que saben pasar desapercibidas.

Párrafo aparte, y éste en sentido positivo, merece la escena de la persecución en coches bajo la torrencial lluvia, en la que se produce el asesinato del personaje de Robert Duvall. No es una persecución que busque la espectacularidad, que la tiene, sino que es uno de los momentos más dramáticos de la película en el que el protagonista no cae preso de la rabia y trata de seguir a los asesinos, sino que el hombre hace lo que buenamente puede: llorar y conducir mientras intenta no chocar con nadie. Probablemente, de lo mejor de la película.

Sin duda alguna, el director de la película, que es también el guionista, es mejor director que guionista. Da la sensación que, con un trabajo de unos pocos meses más, el guión podría haber sido más solido y sin esas vías de agua de las que hablábamos antes. En ese caso estaríamos ante una muy buena película. Con lo que hay, estamos ante una bastante buena película. Que no es poco... Aunque hayamos hablado más de los puntos débiles, es por el hecho de que desentonan en una película que sabe crear una atmósfera, ya desde los títulos de crédito, de pasado cercano pero ya mítico en el que hombres buenos arriesgan su vida por el bien común. Uno se lo puede creer más o menos. Pero, si eso se cuenta bien, casi siempre funciona...

Vayan a verla y me cuentan...

Recomendaciones del mes

Estrenamos hoy sección en el blog: Recomendaciones del mes. Una invitación, no al cine, porque no encontrarás estás películas en cartel, y además no sabemos si eres de los que comen palomitas, sino para que trates de verlas por tu cuenta, y si te apetece, las comentes con nosotros. Una película de ficción, una de no ficción. Empezamos:

- Ficción:
'Le Mepris' ('El Desprecio'), de Jean-Luc Godard. Ver esta película es una de las mayores experiencias fílmicas que pueden experimentarse (y de los pocos contextos en que usar esta expresión no resulta aberrante). Como en cierto tipo de obras maestras, en ella parece que quizá no pasa gran cosa, pero en realidad pasa todo. Los seres humanos nos hartamos, nos odiamos, jugamos a las pantominas de ser felices, pero todo puede ponerse aún peor. Un guionista emparejado con una rubia que hace sonar la música de Delerue es el antihéroe que todos desearíamos ser. Una auténtica joya, probablemente la mejor película de su director, tantas veces citado, aunque aquí afortunadamente su nombre aparece en letras más pequeñas que las del título. Queda por hablar de Ulises, de Fritz Lang, de la localización final... Impresionante.

-No ficción: (No ficción, documental, ¿son lo mismo? Ayúdennos a resolverlo...)
'The War on Democracy', de John Pilger. Gran documental del reportero australiano que recuerda a un gentleman inglés que, como tantos otros, critica el imperialismo americano, especialmente en Centro y Sudamérica. No se trata de una obra que juega a la objetividad pero su manera de tomar partido por nuevos regímenes políticos del subcontinente resulta inteligente y centrada en las personas sin resultar cursi por ello. El mejor momento es la entrevista a un ex alto cargo de la CIA lleno de ira y odio que minimiza los crímenes cometidos por las dictaduras y donde amenaza con que los EEUU volverán a hacer en el futuro cualquier cosa que tengan que hacer por su seguridad nacional. Escalofriante...

Asuntos privados en lugares públicos

Se estrena con casi dos años de retraso y poco aireada por las carteleras "Asuntos privados en lugares públicos" ("Coeurs"), la última película de Alain Resnais, octogenario sagrado del cine francés, que actualmente se encuentra rodando "Les herbes folles". Resulta de mal gusto poner en cuestión cualquier trabajo de los maestros del cine –ya es bastante con que sigan en activo-, pero es evidente que esta vez estamos antes un Resnais en baja forma, y que opta por un tratamiento voluntariamente anticuado de las imágenes: personajes grises y con cierta tendencia al histrionismo (Lambert Wilson), transiciones de la nieve cayendo, un sentido del humor un tanto anticuado, más filtros sobre los rostros que en una película de Robert Redford, interiores poco habitables... Está claro que partimos de una obra teatral, lo cual queda impostado en el cine la mayoría de veces, pero se añade el aroma a cine viejo rezumado de escepticismo a la hora de hablar sobre las relaciones sentimentales en una gran ciudad. Tampoco es habitual la falta de frescura que rezuman sus actores (André Dussolier, Sabine Azéma como la poco creíble religiosa aficionada al strip-tease).

El Alain Resnais de 2008 se tiñe de un escepticismo cursi que lastra todas las pequeñas historias cruzadas, y ni siquiera el fugaz encuentro de la eterna soltera (Isabelle Carré, lo mejor de la función) y el militar retirado (Lambert Wilson, ¿por qué ha envejecido de golpe?) aporta algún solaz para esta comedia romántica con poco de comedia. Parece como si los actores de "On connait la chanson" (1997) -antes citados- quisieran ponerse a cantar en cualquier momento pero no tuvieran fuerzas o el director no les dejara. A pesar de que se trata de una adaptación teatral, son evidentes las concomitancias con On connait pero en una versión navideña descreída. "Asuntos privados en lugares públicos" es lo que hubiera sido del Bedford Falls de "Qué bello es vivir" si se hubiera convertido en Pottersville.

La escafandra y la mariposa

Créanme si les digo que no me resulta fácil escribir esta crítica o comentario acerca de la última película que he visto en una sala de cine. Ocurre que hay veces que uno encuentra que la forma y el contenido se funden subiendo a un escalón mayor, y desde ahí en lo alto nos miran con su sabiduría, compadeciéndonos a los pobres mortales por nuestra ignorancia y la repetición continua de nuestros errores.

Le scaphandre et le papillon es una de las películas más emocionantes que he visto en mi vida, y así mientras la veía quise sentirme inmortal, quise morir, agradecí el regalo de estar vivo y lamenté el absurdo de no estar muerto. Ninguna imagen es gratuita, no sobran palabras, ni si han visto o ven la película me comprenderán, repeticiones de las letras del alfabeto por orden de utilización. Pocas veces ha sonado el francés tan bello en una sala de cine.

Quizá necesite de referencias científicas para seguir escribiendo, y podría contarles que… “el Síndrome de Cautiverio es un término acuñado por Plum y Posner para describir el estado de parálisis de los cuatro miembros y musculatura bulbar con preservación de la conciencia en el que el paciente sólo se puede comunicar con movimientos oculares y parpadeo”. Pero la película no es una obra triste y lánguida sobre un hombre que no puede moverse un ápice, ni crea un falso debate vida así sí/vida así no, la película es una obra ejemplar por el uso que realiza de las imágenes creadas en la imaginación de Jean-Dominique Bauby que se integran al abrigo de la historia con una maestría pocas veces igualada.

Es una película que da sentido al cine. Es una película que da valor y sentido a que las historias quieran contarse con imágenes y palabras, aunque a la vez mientras hace eso puede reírse de la inmensa mayoría del cine que se ha hecho se hace y se hará, porque las comparaciones son odiosas cuando comparamos aquello que trata el tema principal, aquello que aunque a veces nos tapemos los oídos nos acompaña desde hace siglos, la vida y todos sus derivados, los hechos o azares que nos hacen hombres, con todo aquello que es superfluo y a veces confundimos con nuestra verdadera naturaleza pero en realidad es solo pose, mentira.

Vayan a verla. Seguramente ya les suena de que va, no quiero volver a contárselo y les he dado una introducción científica hace dos párrafos. Las películas se inventaron para que surgieran cosas como La escafandra y la mariposa. Obras enormes en que las imágenes, reales o imaginadas, nos tocan y golpean a cada escena, casi sin tregua, y nos hablan del absurdo de la vida, del atisbo de un escote, de amar, de tener hijos y escribir un libro. Vayan a verla, y que la vida les ofrezca mariposas…

X MUESTRA DE CORTOMETRAJES DE LA COMUNIDAD DE MADRID - Sesión 07-03-08.

Con ánimo de hacer algo más variado el contenido de nuestro blog, comentamos ahora, como muestra un botón, los cortometrajes emitidos en una de las sesiones de la X MUESTRA DE CORTOMETRAJES DE LA COMUNIDAD DE MADRID proyectados en el Círculo de Bellas Artes el pasado día 7 de Marzo. Solo pretendemos tratar ligeramente el mundo del corto español, en gran desarrollo, aunque a veces sin la calidad mínima exigible a aquellos que quieren dedicarse al mundo de la creación cinematográfica.

Kuri - corto de animación con un perro divertido (el perro, el corto regular), sin pretensiones, y ese es su mayor defecto, quizás hay que aspirar a hacer un poquito más…

La clase - documental, esperaba encontrarme con algo cursi y manido al saber que trataba de unos niños haciendo teatro en un colegio público, y me llevé una sorpresa al encontrarme al mejor corto de la tarde. Bien llevado, quizá podría durar algún minuto menos y no abusar de tanta música, pero en general, muy recomendable: enhorabuena a la directora y su equipo.

El talento de las moscas – Tremebundo, largo, aburrido, sin mensajes o pretendiendo mandar demasiados… No vale para crear una historia usar un personaje histórico, ni hablar de la Guerra Civil, ser sensible o tener una buena fotografía… Tampoco vale que se premien este tipo de guiones…

Mofetas – Probablemente el segundo mejor de la tarde, aunque no logra crear tensión cuando lo pretende, y los interludios de fantasía (sobre todo el primero) desentonan y cortan un ritmo no hallado. Le falta cargar más las tintas…

Una historia sin pies ni cabeza – Pues eso, un corto sin pretensiones de alguien que muestra los dibujos animados que hacía cuando era niño. No entramos a valorarlo, pero es quizá una muestra de lo de moda que está hacer un corto, y quizá veamos pronto a un panadero haciendo uno sobre sus panes o a un médico sobre sus pacientes. Dejémoslo en agradable y simpático.

Nada más. No pretendemos alabar ni molestar a nadie. Es solo que como alguien que sabe dice, tan importante es la diferencia entre hacer un cortometraje bueno o malo, como importante es el hecho de saber lo que uno ha hecho. Si la directora del cortometraje que menos nos ha gustado estuviera contenta con el resultado de su trabajo, no la auguramos un futuro demasiado prometedor. Ánimo y a gastar película que aún la subvencionan…